La parte del
lenguaje audiovisual que trata se “encajar” correctamente los diferentes planos
para contar una historia es lo que llamamos planificación.
La diferente utilización de los
planos determina en gran manera el estilo visual de la obra, advirtiéndose
diferentes estilos según épocas y/o autores. Así Bergman (director sueco)
destacó por el uso que hizo de los primeros planos, sin embargo John Ford (un director
clásico norteamericano) no se acercaba
demasiado a los personajes decía que “quería ver gente, no solo caras”
A.-SU
EVOLUCIÓN
Las primeras
películas de los hermanos Lumière no
tenían planificación. La cámara no se movía y la acción sucedía delante del
cinematógrafo en un plano general de forma continua durante un minuto (el
tiempo que permitía un rollo de película). Esta técnica se conoce actualmente
como “minuto Lumière”. Lo podemos ver en su primera película “La salida de la
fábrica” y otras como “La llegada del tren a la estación de La Ciotat”, o “El
regador regado” su primera película cómica. En otras de carácter familiar el
plano es mas cercano como en “El desayuno del bebé” en el que filman a uno de
los hijos de los Lumière. Ellos inician el cine documental pero desconocen
todavía sus posibilidades creativas.
Porter filma “Asalto y robo al tren” una película del Oeste que
tuvo gran éxito. Se compone de varias secuencias grabadas en un solo tamaño de
plano, es decir son plano-secuencias. Solamente al final vemos un Primer Plano
del protagonista. Según parece es el primero de la Historia del cine.
Meliès fue el creador del cine como espectáculo. Él pertenecía al mundo de las variedades y supo combinar el cine con trucos de ilusionismo obteniendo un gran éxito. Su planificación era muy escasa abundando los planos generales y los planos enteros. Sus películas fueron ganando en duración y complejidad siendo la más conocida “Viaje a la Luna”.
En USA, D.W. Griffith fue el verdadero creador
del Lenguaje cinematográfico. Con él vemos la diferente utilización de los
planos y sus posibilidades expresivas. También hace evolucionar el montaje y crea dos obras muy importantes “El
nacimiento de una Nación” sobre la Guerra de Secesión americana e “Intolerancia”
con un sorprendente montaje en paralelo*
El cine se fue
desarrollando en otros lugares como Francia donde Abel Gance realizó una impresionante película sobre Napoleón en la
que utiliza nuevos recursos como pequeñas cámaras metidas en bola de nieve o montajes
simultáneos en los que podemos ver varias imágenes a la vez.
En la Unión
soviética los cineastas se preocupan especialmente por el montaje (mas adelante
estudiaremos el “Efecto Kulechov”),
el más destacado será Sergei Eisenstein
que trabajó como realizador a partir de 1923 aportando al cine propagandístico
un gran componente épico. Su obra más famosa es “El acorazado Potemkin” (1925)
en el que podemos ver una planificación muy elaborada e innovadora con planos
muy sutiles como planos medios de la parte inferior del cuerpo de los soldados
o primerísimos planos de muy corta duración. En “La línea general o lo viejo y
lo nuevo” introdujo un plano subjetivo de un toro. También innovó en la
edición, creando el montaje de atracciones*.
Con la llegada
del cine sonoro la planificación se hizo menos innovadora, las cámaras eran
pesadas y apenas podían moverse. La fuerza del cine se fue hacia el sonido
dejando un poco de lado la planificación. Son típicas de esta época las
películas de los Hermanos Marx con diálogos
y situaciones disparatadas pero poco interés por cuestiones más teóricas como
el estudio del montaje.
A partir de
los años 40 es lo que consideramos el “Cine
clásico” en el que el Lenguaje Audiovisual ha llegado a su madurez, a
partir de entonces es un lenguaje que todos los espectadores comprenden
perfectamente y que solo sufrirá innovaciones muy pequeñas.
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