23 jul. 2016

T 2.6 a: LA PLANIFICACIÓN: EVOLUCIÓN

La parte del lenguaje audiovisual que trata se “encajar” correctamente los diferentes planos para contar una historia es lo que llamamos planificación. La diferente utilización  de los planos determina en gran manera el estilo visual de la obra, advirtiéndose diferentes estilos según épocas y/o autores. Así Bergman (director sueco) destacó por el uso que hizo de los primeros planos, sin embargo John Ford (un director clásico norteamericano)  no se acercaba demasiado a los personajes decía que “quería ver gente, no solo caras”

A.-SU EVOLUCIÓN
Las primeras películas de los hermanos Lumière no tenían planificación. La cámara no se movía y la acción sucedía delante del cinematógrafo en un plano general de forma continua durante un minuto (el tiempo que permitía un rollo de película). Esta técnica se conoce actualmente como “minuto Lumière”. Lo podemos ver en su primera película “La salida de la fábrica” y otras como “La llegada del tren a la estación de La Ciotat”, o “El regador regado” su primera película cómica. En otras de carácter familiar el plano es mas cercano como en “El desayuno del bebé” en el que filman a uno de los hijos de los Lumière. Ellos inician el cine documental pero desconocen todavía sus posibilidades creativas.



Porter filma “Asalto y robo al tren” una película del Oeste que tuvo gran éxito. Se compone de varias secuencias grabadas en un solo tamaño de plano, es decir son plano-secuencias. Solamente al final vemos un Primer Plano del protagonista. Según parece es el primero de la Historia del cine.

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Meliès fue el creador del cine como espectáculo. Él pertenecía al mundo de las variedades y supo combinar el cine con trucos de ilusionismo obteniendo un gran éxito. Su planificación era muy escasa abundando los planos generales y los planos enteros. Sus películas fueron ganando en duración y complejidad siendo la más conocida “Viaje a la Luna”.



En USA, D.W. Griffith fue el verdadero creador del Lenguaje cinematográfico. Con él vemos la diferente utilización de los planos y sus posibilidades expresivas. También hace evolucionar el montaje  y crea dos obras muy importantes “El nacimiento de una Nación” sobre la Guerra de Secesión americana e “Intolerancia” con un sorprendente montaje en paralelo*



El cine se fue desarrollando en otros lugares como Francia donde Abel Gance realizó una impresionante película sobre Napoleón en la que utiliza nuevos recursos como pequeñas cámaras metidas en bola de nieve o montajes simultáneos en los que podemos ver varias imágenes a la vez.

En la Unión soviética los cineastas se preocupan especialmente por el montaje (mas adelante estudiaremos el “Efecto Kulechov”), el más destacado será Sergei Eisenstein que trabajó como realizador a partir de 1923 aportando al cine propagandístico un gran componente épico. Su obra más famosa es “El acorazado Potemkin” (1925) en el que podemos ver una planificación muy elaborada e innovadora con planos muy sutiles como planos medios de la parte inferior del cuerpo de los soldados o primerísimos planos de muy corta duración. En “La línea general o lo viejo y lo nuevo” introdujo un plano subjetivo de un toro. También innovó en la edición, creando el montaje de atracciones*.



Con la llegada del cine sonoro la planificación se hizo menos innovadora, las cámaras eran pesadas y apenas podían moverse. La fuerza del cine se fue hacia el sonido dejando un poco de lado la planificación. Son típicas de esta época las películas de los Hermanos Marx con diálogos y situaciones disparatadas pero poco interés por cuestiones más teóricas como el estudio del montaje.

 


A partir de los años 40 es lo que consideramos el “Cine clásico” en el que el Lenguaje Audiovisual ha llegado a su madurez, a partir de entonces es un lenguaje que todos los espectadores comprenden perfectamente y que solo sufrirá innovaciones muy pequeñas.



T 2.5: LA COMPOSICIÓN DEL ENCUADRE

La composición es la organización interna de los elementos de la imagen para conseguir un fin estético, expresivo, narrativo, etc.



Para conseguir una composición adecuada debemos tener conseguir que la imagen presente:
  • Claridad: se debe evitar la confusión en la imagen, destacando solamente los elementos que nos interesan.

  • Contraste (que refuerza los elementos  opuestos entre sí) o Armonía (cuando los elementos se parecen entre sí). El contraste/armonía se pueden observar en la luz, los colores, las formas etc.


  • Ritmo: cuando las imágenes presentan una cierta repetición, en las líneas, formas, tamaños, colores etc.


  • Proporción: es la relación que se establece entre dos elementos, no tiene por qué ser de igualdad.


  • Equilibrio: es la sensación que percibimos de que la imagen está adecuadamente compuesta. Puede ser de dos tipos: equilibrio estático (cuando domina la simetría, la uniformidad y la falta de tensión) o equilibrio dinámico  (cuando destaca  la asimetría, la variedad y el contraste)


 Los elementos de la composición:
a)     El centro de la composición o centro de interés.
Es el elemento dominante de la imagen, sin él la imagen pierde sentido. No tiene por qué ser sólo uno aunque es lo más habitual
b)    Líneas o ejes de tensión
Son aquellas líneas que llaman nuestra atención. Entre ellas destacan las líneas de direccionalidad, son aquellas por las que el autor conduce nuestra vista (puede una mirada, una flecha, un dedo que señala, etc)
c)     Puntos secundarios
Son aquellos que llaman nuestra atención momentáneamente, son importantes para equilibrar las composiciones.



La organización de la composición

Ya desde la época de los griegos sabemos que el centro (aunque parezca lo contrario) tiene menos fuerza visual que los puntos  periféricos en una composición. Los griegos para componer se basaban en la “Proporción o Sección aúrea” (es una división en dos partes en la que la parte pequeña es a la parte grade como la parte grande lo es al todo).


Actualmente a la hora de componer en vez de usar esta proporción usamos lo que se llama el “rectángulo de tercios” que presenta 4 puntos en los que la fuerza es mayor. La elección de estos puntos dota a la imagen de mayor fuerza visual. Si colocamos el “peso” de la imagen en los dos puntos inferiores tendremos  un aspecto más estable, si está en los dos superiores su resultado será más intenso. Así que cuando usamos este rectángulo hablamos de la “regla de los tercios”. Por ejemplo, cuando se encuadra un horizonte hay que elegir entre los puntos superiores (más fuerza de la tierra) o los inferiores (más fuerza del cielo) y no dejar el horizonte en el medio. Hay que fijarse bien en la “regla de los tercios” ya que cuando empezamos a hacer fotografía tendemos a poner lo más importante justo en el centro.




Implicaciones psicológicas de la composición

Las composiciones del encuadre no son caprichosas, la composición es uno de los elementos que el autor utiliza para expresarse o hacernos sentir emociones:
  • Las líneas y planos horizontales producen un efecto de calma y monotonía.

  • Composición  hecha a base  de verticales da senseción de apertura, superación, ascenso-

  • Verticales y entre ellas  personas u objetos dan sensación de aprisionamiento.
  • Si las verticales parten el encuadre  significa separación.
  • Las oblicuas abiertas hacia abajo producen sensación de pesimismo
  • Las oblicuas abiertas hacia arriba representan alegría, superación
  • Las diagonales dan sensación de movimiento

  • Las curvas dan a las composiciones sensación de suavidad.

  • Las líneas quebradas  provocan confusión

                   
PROCEDIMIENTOS: componer con la cámara de vídeo

A la hora de grabar con nuestra videocámara, sea lo que sea lo que estamos grabando tenemos que tener en cuenta algunas recomendaciones:
  • Hay que saber lo que queremos expresar con cada plano para que quede claro
  • Debemos excluir los elementos innecesarios  o indeseados
  • Hay que evitar que salgan objetos extraños desde detrás de los personajes (ramas, antenas, postes de la luz etc)
  • El centro de interés no debe estar completamente centrado (regla de los tercios)
  • Cuando un personaje mira hacia un lado, se debe dejar “aire” delante de él
  • Los elementos importantes no deben estar pegados a los bordes
  • Se debe evitar cortar a los personajes por las articulaciones (rodillas, tobillos, cuello)
  • Los primeros planos quedan mejor en TV que en el cine, mejor no abusar de los planos generales que se ven peor
  • Desde PE el borde de la cabeza debe estar cerca del borde superior del encuadre
  • En el PPP los ojos quedan bien en los dos puntos superiores del “rectángulo de tercios”
  • A los niños hay que sacarlos desde su altura para evitar deformaciones
  • Si se desea dar sensación de movimiento hay que evitar las horizontales paralelas y buscar composiciones diagonales
  • Para evitar la monotonía podemos variar la angulación
  • Cuando los sujetos se mueven hay que estar preparado para ir ajustando la composición
  • Un plano bien compuesto se altera si entra otro elemento (por ejemplo otro personaje) y tendremos que rectificar el encuadre
  • Para tomas en continuo movimiento (como el fútbol)  hay que componer planos más generales para que los protagonistas no se salgan del encuadre.
  • Si un sujeto pasa delante de nosotros no hay que seguirlo constantemente, se le puede dejar ir. También se puede dejar pasar por delante a los sujetos sin seguirlos en su movimiento.
  • Cuando usamos el zoom es necesario componer bien el plano de comienzo y a medida que este cambia  hay que ir rectificando el encuadre para componer bien el final del plano.





22 jul. 2016

T2.3 : LAS UNIDADES DEL LENGUAJE AUDIOVISUAL

En los medios como el cine o vídeo se llama plano a la unidad narrativa mínima, al fragmento más reducido de la acción. En el cine está constituido por una sucesión de fotogramas (24/seg) con contenido diferenciado de los siguientes. A la hora de hablar del plano hay que tomar en consideración dos aspectos:

  • El plano-espacio, es decir el espacio que se recoge en su encuadre, es decir el campo. Puede recoger mucho espacio (planos generales o planos largos) o muy poco (planos cortos). Lo veremos más adelante.

  •  El plano-tiempo, es decir cuánto tiempo dura un plano. Suele ser inversamente proporcional a su cercanía) si el plano nos muestra muchos aspectos interesantes (como un escenario por el que pasa el protagonista) deberá durar más que si sólo nos muestra un pequeño detalle de una mancha en la camisa del mismo. La duración de cada plano es algo subjetivo que debe manejar el director de la película con cuidado. La duración de los planos es definitiva en el montaje pero debe tenerse en cuenta a la hora de la grabación.
Cuando estamos grabando un vídeo/película el plano es equivalente a la toma. Es probable que la toma no sea perfecta la primera vez que se hace, por ello hablamos de toma-1, toma-2, toma-3 etc. Para su perfecta identificación su número viene reflejado en la claqueta y se apunta en el registro de grabación.





La escena es una sucesión de planos que se graban en el mismo escenario (el aula, el pasillo, el despacho de la directora, etc.), Es un término que proviene del teatro y está cayendo en desuso ya que complica la denominación de los fragmentos narrativos

Actualmente se habla mejor de la secuencia, que es la sucesión de planos que tienen una unidad narrativa. La palabra secuencia viene de “seguido”, así que son los planos que se siguen unos a otros para conformar una acción, aunque pasen por diversos escenarios. En ocasiones algunas secuencias tienen hasta nombre “La secuencia de la escalera del Acorazado Potemkin”.




En algunas ocasiones  una misma acción (es decir una secuencia) se graba en un solo plano, es decir sin cortes, todo seguido, entonces hablamos de plano-.secuencia. Algunos directores (como Woody Allen) lo usan con frecuencia ya que de esta forma se muestra mejor las cualidades escénicas de los actores y la pericia del director. Toda la secuencia tiene que salir perfecta (la actuación, los encuadres, los movimientos de cámara, etc) si no es así hay que volver a grabar desde el principio.




El caso más extremo de esta forma de grabación es el plano-filme, en el que toda la película esta grabada en una sola toma (plano) como en el caso de “La soga” de Alfred Hitchcock. En este caso la película se desarrolla en un solo escenario manteniendo la unidad del espacio escénico (el interior de una vivienda) y la cámara se mueve por el escenario siguiendo sin interrupción a los personajes. Es verdaderamente todo un desafío para cualquier director de cine aunque no aporte  en sí mismo mayor interés que  grabar la acción en varias secuencias.
 

En la mayor parte de las creaciones audiovisuales el espacio escénico queda fragmentado al verse plano por plano. El espacio cinematográfico se crea definitivamente en el montaje. Al grabar de forma fragmentaria nos encontramos con dos nuevos términos:
·        Plano y contraplano. Si un plano esta grabado desde el punto 1 el contraplano está en dirección contraria desde el punto 2
·        Así hablaremos de Campo (lo que se ve en el plano grabado desde el punto 1, en el que se ve el punto 2 y Contra-campo, es decir lo que se  ve desde el punto 2 (el punto 1 entre otras cosas) El ejemplo más típico es un duelo a pistola en una calle del Oeste entre dos pistoleros en el que alternativamente vemos el punto de vista de uno u otro.


12 jul. 2016

T2.2 LA IMAGEN REGISTRADA

La Imagen registrada siempre es diferente de la realidad percibida a partir de la vista. Para conocer bien cómo una imagen puede cambiar nuestra percepción de la realidad debemos en primer lugar conocer las características básicas de una imagen. 

 1.- En una imagen fija como una fotografía, un cuadro o una viñeta de cómic lo primero que debemos considerar es: 

El encuadre: es decir la parte de la realidad que seleccionamos para que salga en la foto, es como si miráramos la realidad a través de una ventana. Es el espacio visual que se estableció en la pintura a partir del S. XV.  No debemos confundir las palabras “encuadrar” (seleccionar una parte de nuestro entorno) con “enfocar” es decir conseguir que la imagen se vea bien nítida. Es habitual que en el lenguaje de la calle se confundan estos dos verbos. 



Además hay que considerar el formato que puede ser horizontal o vertical lo que condiciona nuestra percepción. Debemos adecuar esta posición en función del motivo (un árbol o una persona mejor en vertical, un puente en horizontal) sin embargo el autor puede utilizar el formato que crea conveniente para sus propósitos expresivos. 





También tenemos que observar es el tamaño de la imagen. Su modificación altera nuestra percepción de la imagen, cuanto más grande es una imagen más tiende a impresionarnos, como cuando vemos el Guernica de Picasso en el Museo Reina Sofía que nos “llena” mucho más que cuando lo vemos en una postal. En una imagen también tenemos que fijarnos en el tamaño de plano y en la óptica utilizada (lo veremos más adelante)





2.- En una imagen en movimiento la observación de las características de la imagen se complica ya que nos encontramos con una larguísima sucesión de imágenes fijas (los fotogramas en el cine) que se van enlazando, cada una con sus propias características.




Fotogramas de la película 'Te querré siempre' (Viaggio in Italia), de Rossellini


El encuadre, selecciona lo que el director de cine quiere que el espectador vea, pone límites a nuestra visión. En función del encuadre nos vamos a encontrar con:
  • El “campo”, es lo que vemos en la pantalla, es lo que hay dentro del encuadre.
  • Fuera de campo” es lo que no vemos pero sabemos que está allí y que cuenta en la historia. Se puede hacer presente por una voz, un ruido, una mirada o un movimiento de cámara. Puede tener una gran fuerza dramática.



El  tamaño. Cada medio tiene un surtido de tamaños preestablecido. Si una película está hecha para verse en el cine probablemente podrá usar planos con paisajes muy grandes, pero si esta imagen la vemos en nuestro móvil perderá toda su fuerza expresiva. En las series de TV abundan más los planos que acercan más los personajes al espectador. El tamaño influye  sobre nuestras emociones, por eso pasamos más miedo al ver una película de terror en el cine(en pantalla grande) que en una tablet. 




El formato en la imagen en movimiento suele ser siempre en formato horizontal (salvo en las imágenes grabadas con móvil) Además es la relación existente entre los lados verticales y los horizontales de la imagen (vertical: horizontal) En los medios en los que se puede elegir el formato este tiene  connotaciones  estéticas. En cine y vídeo los principales formatos son:                         1:1,33 en las películas antiguas    (1:1 es el cuadrado)
                                               1:1,85 en las películas panorámicas
                                               1:2,55 en las de Cinemascope    



El trasvase de un medio a otro puede ocasionar distorsiones como al ver una película antigua en una Tv panorámica que no rellena el encuadre.