11 nov. 2012

T. 4: TÉCNICAS DE GRABACIÓN DE UNA SECUENCIA

UNA SECUENCIA es un conjunto de planos que van seguidos y que se desarrollan manteniendo el mismo espacio y los mismos personajes




A la hora de grabar una SECUENCIA tenemos tres opciones:
  • GRABAR PLANO POR PLANO: Para ello tenemos que cuidar la planificación y la continuidad.(ver  entrada Planificación)


  • PLANO-SECUENCIA:  es grabar la secuencia sin cortes. Tiene la ventaja de que se mantiene  bien la continuidad pero es mucho más complicada de grabar: movimientos de los actores, movimientos de cámara, iluminación , cambios de eje etc.Si hay algún error hay que empezar de nuevo  Vamos a ver algún ejemplo:





En el caso de que se grabe toda la película sin cortes hablamos de un PLANO-FILME  el ejemplo más famoso el "La soga" de Alfred Hitchcock




  • GRABACIÓN DE UN  PLANO-MASTER , que se graba toda seguida pero con la intención de mejorarla con insertos y cutaway.


Cada vez que se graba un plano se numera en la claqueta. Y cada vez que se repite se llama toma y se numera consecutivamente, así se empieza con el Plano1 Toma 1, luego Plano1 Toma 2 etc. Veamos un ejemplo sacado de "La noche americana"




T 4.3: LA CONTINUIDAD

Cuando grabamos en varios días tenemos un problema, mantener el raccord o  continuidad que consiste en que el espectador no se de cuenta de que los planos se han grabado en diferentes lugares y momentos. 

Hay que tener en cuenta la luz, el vestuario, el atrezzo, las condiciones meteorológicas, la posición y movimiento de los actores, etc. Son numerosos los fallos de raccord incluso en grandes superproducciones. El encargado de mantener la continuidad durante el rodaje es el script.

10 nov. 2012

T 2.6 b: TÉCNICAS DE PLANIFICACIÓN

Planificar es hacer planes por adelantado...pero también es decidir que planos vamos a usar para contar algo en cine o vídeo. Para poder montar más tarde los diferentes planos debemos seguir unas sencillas reglas:

LA LEY DE LA CLARIDAD
Debemos utilizar el tamaño de plano adecuado y el punto de vista más representativ
  • Si queremos contar sentimientos deberemos usar Primero planos (PP,PPC,PPP)
  • Si queremos ver como el personaje interactua con un objeto o con su entorno mejor planos medios (PMC,PML,PA)
  • Si queremos situar al personaje en su entrono planos más largos (PE, PGC, PG)
  • Si queremos situar la acción en el espacio planos aún más amplios (PGL, GPG)
Además a la hora de planificar una secuencia hay que tener en cuenta que para poder montar juntos dos planos es más fácil cuanto más distintos so. Por ello hay que tener en cuenta:


LEY DEL SALTO PROPORCIONAL
Dos planos consecutivos no pueden ser casi iguales pues la imagen “salta”, tiene que tener al menos un salto intermedio: de PM a PML la imagen salta , debería pasar de PML a PP.





Pero tampoco puede tener un tamaño demasiado distinto el espectador se puede “perder”.


LEY DE LOS 30º
Si queremos hacer el mismo tamaño de plano sobre el mismo sujeto que en el plano anterior, para que la imagen no salte, debemos desplazarnos en el espacio al menos 30º . En el caso del ejemplo después de un plano frontal deberíamos grabar al personaje desde 3/4








LA LEY DEL EJE
Entre dos personas que se hablan o se miran se crea “un eje” que la cámara no debe sobrepasar para que el espectador no pierda la situación de los personajes.Todos los planos los debemos grabar de uno u otro lado del eje, no los podemos combinar. Ejemplo de una conversación

En una acción también el movimiento creará un eje, de donde viene a donde va el personaje. Por ejemplo en las primeras secuencias de una película

Si nos saltamos el EJE el espectador puede quedar desorientado:





Cuando queramos grabar una conversación lo mejor es desglosarla en planos, de forma que si el actor se equivoca en una frase no tengamos que volver a comenzar, es decir, planificamos la conversación (Ver tema 4)


Grabar conversaciones con  más de dos personas resulta mucho más complicado. Lo mejor es situar bien al espectador con un Plano General y después tomar a los personajes por separado o por parejas.



A continuación vas a ver una secuencia, observa cómo está planificada


T 4: REGLAS PARA GRABAR CORRECTAMENTE

1.- Busca un sitio con buena iluminación: si estás en el exterior lo mejor será una zona con sombra o al sol, debajo de los árboles se crean sombras incómodas. Ten cuidado con los contraluces, no sólo debes grabar de espalda al sol, debes mirar bien que hay detrás del personaje que grabas, para que no sea una zona muy luminosa. Si estás en casa enciende todas las luces que puedas, ¡¡pero no grabes delante de ellas, ni hacia las ventanas!!

2.- Prepara con cuidado todo lo que vas a necesitar: claqueta, rotulador, borrador, cámara, cinta,  el vestuario y atrezzo (pequeños objetos necesarios para dar ambiente)

3.- Ensaya cada plano antes de grabar, para que el cámara pueda estar preparado, y compruebe que sale bien.

4.- Respeta la forma de grabar : Preparados...silencio!!! grabando!!! Ponemos la claqueta para identificar el plano: ¡Plano 1, toma 1!....
Esperamos 4 seg y actúan los actores...esperamos 4 seg y.... !!Corten!! Si no respetáis los tiempos pueden salir imágenes cortadas y tendréis  que repetir la grabación y tardareis mas tiempo.

5.-Durante la grabación no rebobines la cinta hasta que lo hayais grabado todo, puede que se os olvide y borreis el trabajo que habeis hecho. Al final de la grabación miradlo todo para ver si hay algo que ha salido mal.

6.- Es conveniente que uno de vosotros vaya apuntando los planos que se van grabando, haciendo una señal en los planos que han salido mejor

T 3.1 : LA ESTRUCTURA DEL GUIÓN

Casi todos los guiones responden a una estructura bastante clásica: 

Planteamiento-desarrollo-resolución, pero en función de la duración del audiovisual esta estructura se suele complicar bastante. Podemos encontrar:

A- PRÓLOGO: suele contarnos algo anterior a la verdadera historia de la película. A veces se aprovecha para poner los títulos de crédito.


B.- DESARROLLO en varios Actos: (I, II, III o mas)
Para que empiece la accion debemos identificar la existencia de un problema. Comienza con el "suceso desencadenante".
  • En cada Acto, el protagonista intenta resolver el problema. Es posible que esté a punto de conseguirlo pero habrá un "giro" que hará imposible la solución. Entonces empezará otro Acto.
  • A veces la tensión emocional sube mucho hasta llegar a un "climax".
  • Es posible que tras uno de ellos se llegue a la "resolución" del problema.
El Final de la película estará muy cerca.Si estamos viendo una serie de televisión seguramente se aprovecharán los "climax" para hacer los cortes publicitarios.


C.- EPÍLOGO: cuenta algo posterior al desarrollo de la acción, no suele aparecer en todas las películas por sobrepasar el interés del espectador.


En el guión hay que contar también con dos conceptos muy interesantes:

LA ELIPSIS: a la hora de contar una historia hay que abreviar y eliminar todo aquello que es innecesario y que aburriría al espectador:




EL SUSPENSE : en ocasiones el guionista nos permite conocer ciertas cosas de la situación que el protagonista desconoce. De esta forma nos mantiene más en tensión. El gran maestro del suspense fue Alfred Hitchcock, veamos una secuencia de su película "Marnie la ladrona".


2 nov. 2012

T 3.1: LOS PERSONAJES

Los protagonistas quieren hacer algo pero normalmente se encontrarán con un problema que tienen que resolver (sin problema no hay acción).
Suelen estar representados por los actores principales. Tienen que tener una personalidad consistente , aunque pueden variar con el transcurso de la película (en TV no suelen evolucionar tanto)





Los personajes que se les oponen son los antagonistas: les impiden hacer lo que desean.

Es posible que no sean exactamente personas, pueden ser las actitudes de la sociedad, la falta de dinero...





A veces encontramos personajes que se permiten hacer cosas que no pueden hacer los protagonistas(ser torpes, ridículos, gruñones, mal educados, un poco tontos...) son los complementarios.

T 3.2 EL GUIÓN LITERARIO

Para empezar cualquier audiovisual lo primero que necesitamos es un GUIÓN. ¿Como lo elaboramos? Pasaremos por varias fases:

 1.- La idea temática sobre la que trata el guión. Es un tema universal y bastante abstracto (la fuerza del amor sobre todas las cosas; La verdad siempre triunfa, etc.)

2.- El argumento. Es la materialización de la idea con unos personajes. Es breve pero ya nos debe mostrar si se trata de un guión cómico, trágico, de acción etc

3.- Sinopsis. Es un resumen de nuestro guión. En él sabremos algo mas sobre los personajes y sus características. 3 a 5 folios.


4.- El tratamiento , con mayor detalle en cuanto al desarrollo de los personajes, 25 a 50 paginas.
5.- Escaleta de secuencias desglosa la historia en diferentes secuencias , explicando donde se grabará y anotando también si se realiza en el interior o en exteriores, durante el día o la noche. Por ejemplo :Sec 5: Cafetería del Instituto. Int. Día.

6.- El guión literario contiene todos los diálogos de los personajes con la descripción de su estado de ánimo, vestuario etc

7.- El guión técnico contiene además anotaciones sobre los planos (nº, angulación, tamaño)

8.- También conviene hacer el story-board o guión gráfico para poder ver a modo de viñetas , plano por plano, todo el guión.







T2.7 : LOS MOVIMIENTOS DE CÁMARA

LA PANORÁMICA

Es el movimiento de cámara mas simple. Consiste en mover la cámara de la misma forma que movemos nuestro cabeza sobre el cuello, sin desplazarnos del sitio. Se puede utilizar un trípode o realizarla a pulso.Puede ser

Según su movimiento: horizontal, vertical u oblicua;
Según su función: descriptiva, de acompañamiento, de relación etc.

Como realizarla: la panorámica no debe ser demasiado larga, se debe ensayar antes para saber con certeza donde se empieza y donde se termina. Se debe mantener la horizontalidad en todo lo posible.




EL TRAVELLING
La cámara se desplaza sobre el suelo. En el cine se utilizan unos railes para suavizar el movimiento, nosotros usamos carros, sillas con ruedas etc.
gún su desplazamiento puede ser: horizontal o lateral, de avance (avanza la cámara), de retroceso, circular etc.

En ocasiones parece similar al Zoom pero en este caso no se desplaza la cámara, es un "movimiento óptico" producido por las lentes del objetivTiene las mismas funciones de acompañamiento, de relación, de descubrimiento, descriptiva etc .

Se puede combinar con la panorámica creando un movimiento mas complejo.

En combinación con el zoom, produciendo el llamado "efecto vértigo" o también Dolly-zoom.





LA GRÚA
Mueve la cámara en las tres direcciones del espacio, se puede montar sobre rieles. Solo se utiliza en producciones importantes por su alto coste, realiza movimientos muy complejos. Se reconoce porque el encuadre se separa del suelo .

La grúa la podemos simular desplazando manualmente la cámara por el aire.

ene las mismas funciones que el travelling: acompañamiento, descubrimiento, etc

LA STEADYCAM
Es un sistema antivibraciones de cámara en mano flotante. Ideal para subir y bajar escaleras o para cualquier situación que requiera movimientos dificiles en terrenos desiguales.
La cámara se sujeta con una faja o chaqueta que se pone el operador y tiene un brazo articulado con un soporte estabilizador y antivibratorio.
Cada vez se utiliza mas en el cine . No la usamos en producciones escolares, hace falta personal especializado.



Cuando veas un movimiento de cámara tienes que preguntarte qué es lo que quiere expresar el director: señalar un objeto o a una persona, seguir su dirección, describir el lugar donde transcurre la acción, poner en relación varias cosas, dar sensación de estar sucediendo algo fantástico etc. Lee algunas de las posibilidades en los apuntes.
Fíjate bien, haremos un examen práctico en clase sobre los movimientos de cámara de la película "Encadenados" de Hitchcock






30 oct. 2012

T 2.6 b : LOS PLANOS SEGÚN SU FUNCIÓN

Los planos se pueden clasificar, entre otras, según las siguientes funciones:

Plano de punto de vista , muestra lo que un personaje ve

Plano de localización nos enseña donde se realiza la acción

Plano de reacción sucede a una acción y como reacción a esta

Plano neutro, carente de dirección, de frente a la cámara, sirve para saltar el "eje"

Plano master (toda la secuencia se graba en un plano, para ser luego montada)

Inserto (un detalle de algo que ya salía en el master)

Cutaway (un plano de algo que no sale en el master) se puede llamar también plano de acción complementaria.

T 2.4 : TIPOS DE PLANOS SEGÚN EL PUNTO DE VISTA

Tipos de planos según la perspectiva de la cámara



  1. Planos Subjetivos
    Cuando vemos a través de la cámara lo que un personaje está viendo (el plano se mueve) 0 cuando en una conversación, un personaje mira directamente a cámara.
    Veamos un ejemplo:



  2. Planos Objetivos, todos los demás.
    Son la inmensa mayoría de los planos de cualquier película de ficción. La cámara actúa como un observador invisible del que los personajes no son conscientes. De esta forma la implicación del espectador con los personajes no es tan directa y resulta más fácil ver la película.

T2.4 LA ANGULACIÓN DEL PLANO

La angulación del plano es el punto de vista físico desde el que se graba la imagen. Podemos tomar en cuenta dos criterios a la hora de clasificar el ángulo de visión:

1.- Tomando como referencia la altura de los ojos del personaje:

  • Ángulo normal o medio, es cuando la grabación se efectúa desde la altura de los ojos del personaje. Nos muestra la normalidad, tiene un uso narrativo.
  • Ángulo picado, cuando la cámara se encuentra por encima de los ojos del personaje que queda por debajo. Tiene un uso psicológico ya que sugiere inferioridad, aplastamiento, agobio. En ocasiones se utiliza para  mejorar  el dominio del espacio visual (por ejemplo para ver como un personaje sube las escaleras o se mueve por la calle)
  • Ángulo contrapicado. Cuando la acción se graba desde abajo. Suele tener un  uso psicológico ya que  da sensación de superioridad, triunfo, dominio o amenaza. También se suele usar para mejorar el dominio del espacio visual (alguien baja las escaleras hacia la cámara).



  • Ángulo cenital es en el que la cámara se sitúa sobre la vertical del personaje

  • Ángulo nadir es el contrapicado absoluto, la cámara está debajo del sujeto.


2.- Tomando como referencia la nivelación de la cámara con respecto a la línea del  horizonte podemos hablar de:

  • Ángulo (o nivelación) normal , es el más habitual, muestra la “normalidad”
  • Ángulo inclinado o aberrante, la cámara no está paralela al suelo. El punto de vista se tuerce deliberadamente para dar imágenes  desequilibradas que nos muestran inseguridad, angustia  o sensación de vacío. Se tiene que utilizar con precaución por tener un uso psicológico muy fuerte. En el caso de que se quiera  realizar, la inclinación debe ser evidente, de otra forma parecerá solo una inclinación involuntaria del trípode.
El uso de uno u otro ángulo de visión no es indiferente, la sustitución del ángulo normal tiene indudables repercusiones expresivas en relación  con su contexto.
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29 oct. 2012

T2.4 UNIDAD BÁSICA: EL PLANO

En los medios como el cine o vídeo se llama plano a la unidad narrativa mínima, al fragmento más reducido de la acción. En el cine está constituido por una sucesión de fotogramas (24/seg) con contenido diferenciado de los siguientes. A la hora de hablar del plano hay que tomar en consideración dos aspectos:

  • El plano-espacio, es decir el espacio que se recoge en su encuadre, es decir el campo. Puede recoger mucho espacio (planos generales) o muy poco (plano detalle). Lo veremos más adelante.
  • El plano-tiempo, es decir cuánto tiempo dura un plano. Suele ser inversamente proporcional a su cercanía) si el plano nos muestra muchos aspectos interesantes (como un escenario por el que pasa el protagonista) deberá durar más que si sólo nos muestra un pequeño detalle de una mancha en la camisa del mismo. La duración de cada plano es algo subjetivo que debe manejar el director de la película con cuidado. La duración de los planos es definitiva en el montaje pero debe tenerse en cuenta a la hora de la grabación.

TIPOS DE PLANOS SEGÚN SU TAMAÑO (MORFOLOGÍA)

 En primer lugar vamos a ver la morfología de los planos, es decir su aspecto exterior y sus características expresivas. En la denominación de un plano intervienen dos aspectos: su tamaño y su angulación.


Los tamaños de plano vienen determinados en función del tamaño de la figura humana. Los planos se nombran de una manera estandar para que las relaciones entre el guionista, el cámara y es director sean más sencillas. Todo el mundo sabe de lo que hablamos al decir “graba un plano medio de la protagonista” es más rápido que explicarlo detenidamente. Las denominaciones pueden variar un poco según países pero están aceptadas como un medio de comunicación sencillo, por escrito se nombran de forma abreviada (GPG. Aunque son estandar, el director puede vulnerar estos tamaños en función de sus intereses expresivos. Los podemos clasificar entre grandes grupos: generales, medios y primeros planos:

PLANOS GENERALES

Los planos generales
Tienen un carácter más bien descriptivo  y sitúan al personaje en un escenario, informan al espectador sobre el espacio, ambiente o situación en la que se encuentra el personaje que queda con espacio libre (“aire”) por arriba y por debajo. Los principales son:

  • Gran Plano General General (GPG) abarca un gran espacio alejado de la cámara.  La figura humana aparece muy pequeña dentro del escenario sin que podamos ver sus detalles.

  • Plano General largo (PGL) La figura humana no llega ni a ocupar la mitad de la altura del encuadre. La vemos pequeña en su escenario. Sigue siendo muy descriptivo.
  • Plano General corto (PGC) El personaje ocupa entre ½ y ¾  de la altura del encuadre. En este caso lo vemos relacionándose con los objetos que lo rodean. Puede tener una función descriptiva o narrativa.
  • Plano entero (PE) Los limites inferior y superior de los personajes  casi coinciden con los límites del encuadre. Nos permite ver su acción en un escenario.

Los planos medios
A partir del plano entero la parte superior de la cabeza de los personajes se sitúa cerca del borde superior del encuadre. Los planos medios sirven para ver la acción de los personajes  entre ellos y con los objetos que los rodean. Los principales son:

  • Plano Americano (PA). Se llama así porque aparece por primera vez en los “western” para poder mostrar las cartucheras de los pistoleros. Abarca desde medio muslo hasta la cabeza. En ocasiones puede aparecer por debajo de la rodilla (aunque es menos clásico). Suele tener aspectos narrativos.
 
  • Plano Medio Largo. (PML) Muestra desde las caderas del personaje  hasta la cabeza.

  • Plano Medio (PM) Desde la cintura hasta la cabeza. Ambos se utilizan para mostrar las relaciones entre los personajes, aparecen frecuentemente en las conversaciones.
  • Plano Medio Corto (PMC) desde debajo del pecho hacia arriba. Nos muestra las reacciones del personaje

Primeros planos
Tienen carácter psicológico y dramático. Nos muestran los sentimientos de los personajes, su reacción frente a los sucesos que les ocurren. Al ver muy de cerca al personaje el actor tiene que tener cuidado para no sobreactuar*. Los principales son.

  • Primer plano (PP)  desde la mitad del pecho para arriba.

  • Primer plano corto (PPC) se ven los hombros y la cabeza. Estos dos planos tienen un carácter psicológico y se utilizan mucho en conversaciones.

  • Primerísimo Plano (PPP) Se ven los ojos y parte de la cara hasta la boca más o menos. Nos muestra la fuerza de la mirada, el interior del personaje (“los ojos son el espejo del alma”)


  • Plano detalle (PD) nos muestra un detalle de una parte del cuerpo o de un objeto, puede tener una  gran importancia en la narración. Al ser un plano muy cercano (corto) suele durar poco tiempo.


Además a menudo se denominan los planos por el número de personajes que ocupan el encuadre, así a veces podemos hablar de un “plano de 2” o de un “plano de 3”. 

También es frecuente hablar del

  • Plano de Conjunto (PC) cuando tenemos varios personajes que se mueven en un escenario. Al ser varios podemos encontrarnos con diversidad de tamaños dentro del encuadre: PML, PA, PE  por lo que es difícil clasificarlo. Puede tener una finalidad narrativa o dramática






28 oct. 2012

T 2.5 : REGLAS PARA ENCUADRAR BIEN

1.-Pensar por anticipado qué es lo que queremos mostrar

2.-Encuadrar con el formato mas adecuado (vertical-horizontal)

3.-Rellenar el encuadre con lo que nos interese. De otra forma el objeto o sujeto que nos interesa se difumina entre otros y pierde fuerza.

4.- Realzar el motivo eligiendo el mejor punto de vista para mostrarlo. Debemos girar en torno al sujeto para ver desde que punto de vista el espectador obtendrá mas información. También buscaremos la mejor angulación.

5.- Jugar con la profundidad de campo para destacar el motivo principal, desenfocando el resto.

6.-A partir del PE dejar poco espacio por encima de la cabeza del personaje u objeto.

7.-Dejar “aire” hacia donde el personaje va o mira, deforma que no quede aplastado en su movimiento por el encuadre.

8.-Respetar el “rectángulo de tercios”, que es la simplificación de la sección aúrea. Se suele situar al perssonaje sobre una de las líneas o sobre uno de los puntos fuertes

T 0: LOS COMIENZOS DE LA COMEDIA AMERICANA

El cine mudo fue desde sus comienzos sobre todo espectáculo y divertimento. Tenía como gran ventaja que los inmigrantes que acababan de llegar a USA (suecos, italianos, alemanes, polacos, etc) podían entender sin problemas un tipo de comedia basada fundamentalmente en el “gag”, es decir en la sorpresa cómica de carácter visual. Se pusieron de moda los “slapsticks” comedias absurdas, con carreras, persecuciones y lanzamientos de tartas a la cara. Entre todos los comediantes destacaron:

Buster Keaton, llamado “cara de palo” por la inexpresividad de su cara. Su comicidad se basa en el estudiado guión que lleva a su protagonista a sufrir todo tipo de aventuras. Su obra mas conocida es “El maquinista de la general”.






Harold Lloyd, con cara de inocente, de comicidad mas bien simple pero muy efectiva. Representa a la clase media americana que empieza una época de esplendor. Su obra mas conocida es el “El hombre mosca”. Al igual que Keaton no fue doblado por ningún especialista en sus películas




Charles Chaplin, que nació en Londres, como los anteriores venía del mundo del circo, por lo que dominaba el mimo, propio de los payasos y los malabarismos. Comenzó haciendo películas muy cortas que poco a poco se fueron ampliando, y en las que creó un personaje que le acompañó durante años: Charlot.
Mas tarde comenzó a hacer largos, como “El chico” (1921) y “La quimera del oro” (1925), “Tiempos modernos” (1936) ya en la época del sonoro, aunque apenas utilizó la palabra y “El Gran dictador” de 1940 en la que se burlaba de los fascismos: Hitler y Mussolini .
Tras tener problemas políticos en USA volvió a Europa





FRAGMENTOS DEL GRAN DICTADOR

DELIRIO DEL DICTADOR HINKLE



DISCURSO FINAL





En 1927 se estrena "El cantor de Jazz" que con la aparición del sonido sincronizado revoluciona el mundo del cine:
Mucho actores deben dejar sus carreras por sus acentos extranjeros o mala dicción
La cámara se vuelve mucho mas pesada y pierde movimiento.
Se le da una importancia excesiva a los diálogos
Se ponen de moda los "musicales" y Muchos actores de Broadway se trasladan a Hollywood. Veamos un fragmento de "El cantor de Jazz":




CANTANDO BAJO LA LLUVIA o THE ARTIST nos hablan de esta época y cómo tuvieron que adaptarse los estudios de cine y los actores a esta nueva situación.

T 0:LOS COMIENZOS DEL CINE MUDO

Las primeras imágenes en movimiento que conservamos pertenecen a unas grabaciones de Louis Aimé Le Prince en 1888, en la ciudad inglesa de Leeds. Se sabe con exactitud la fecha por aparecer en una de las grabaciones su suegra que murió ese mismo año.



Sin embargo Le Prince desapareció misteriosamente poco después, por lo que no pudo seguir desarrollando su invento.




Los Hermanos Lumiere, fabricantes de productos fotográficos hicieron pequeñas películas, de menos de un minuto, sobre asuntos cotidianos con la cámara fija y sin cortar la acción en diferentes planos.






Edison realizó pequeñas películas para su Kinetoscopio, que por aquel momento no pasaba de ser un artículo de feria.




George Melies siguió utilizando la cámara fija y el plano general pero creó un mundo de fantasía, fue el creador del cine como espectáculo utilizando trucos propios del cine y del teatro.






Hasta hace poco se pensaba que la primera película española fue la “Salida de la misa de doce de la Iglesia del Pilar de Zaragoza” pero nuevas investigaciones vinieron a probar que los orígenes del cine español, se localizan un año antes con José Sllier, un fotógrafo francés nacionalizado español, que llevaba años haciendo retratos en Alicante y filmaba con una cámara Lumiére.

Las primeras proyecciones cinematográficas tuvieron lugar en las fiestas de San Isidro de 1896 en Madrid por un sistema derivado del Kinetoscopio de Edison, modificado por el inglés Robert William Paul y puesto a punto en mayo de 1895.


El primer director español de éxito internacional fue Segundo de Chomon, quien trabajó en Francia e Italia.



EN ESTADOS UNIDOS:
Edwin S. Poter realizó películas con varias secuencias, pero grabando cada una de ellas en un solo plano. Fue famoso su "Asalto y robo al tren", en esta película aparece por primera vez un primer plano.



También realizó "La vida de un bombero" en la que intenta expresar dos acciones que suceden a la vez (la mujer dentro de la habitación y el bombero sube por la escalera) con poco éxito.





Fué D.W. Griffith el primero que comenzó a utiliar diferentes tamaños de plano en función de las necesidades expresivas o dramáticas.Es decir creó un auténtico "Lenguaje audiovisual"
Sus dos obras mas famosas fueron "Intolerancia" y el " Nacimiento de una nación", que trata sobre la Guerra de Secesión americana.

Ahora veamos un vídeo de resumen sobre los comienzos del lenguaje cinematografico.



T 0: LA PREHISTORIA DEL CINE


Desde el siglo XVII una serie de inventos transforman la imagen fija en imagen en movimiento. Muchos de ellos eran simplemente "juguetes ópticos" que utilizaba la alta burguesía para distraerse.

A mediados del siglo XIX y con el desarrollo de la fotografía algunos de estos inventos se vuelven mas complejos, son los precursores del cine.







Sin embargo la "invención del cine" no se producirá hasta finales del Siglo XIX, con varios personajes muy variados: Le Prince, Édison y los Hermanos Lumière, a los que tradicionalmente se atribuye este invento.

T2.1 CARACTERÍSTICAS BÁSICAS DE LA IMAGEN

Aunque muchas veces nos confundimos por su gran parecido,  la imagen NO ES LA REALIDAD, a lo sumo es un espejo, una representación de la realidad... ¿O has visto alguna vez a la luna con un cohete incrustado en el ojo?


Si quieres observar como cada vez es mas fácil crear una imagen muy alejada de la realidad, pincha este enlace  y verás las cosas que se pueden hacer retocando una imagen digital.


1.- LAS CARACTERÍSTICAS BÁSICAS DE LA IMAGEN

Una imagen* (del latín imago) es una representación , que manifiesta la apariencia visual de un objeto real o imaginario. Aunque el término suele entenderse como sinónimo de representación visual, también se aplica como extensión para otros tipos de percepción, como imágenes auditivas, olfativas, táctiles, etc.

Las imágenes que la persona no percibe sino que vive interiormente son denominadas imágenes mentales, mientras que se designan como imágenes creadas, las que representan visualmente un objeto mediante técnicas plásticas (dibujo, diseño, pintura, escultura ) o artes visuales (fotografía o vídeo, entre otras)

En las imágenes creadas un  emisor tiene una intención comunicativa y tiene  un mensaje que utilizando un medio se concreta en una imagen que hace llegar al receptor.

EMISOR      Intención comunicativa  Mensaje  Medio Imagen  RECEPTOR            



   


El aspecto de una imagen registrada no coincide con nuestra visión:

La imagen                                                               La visión
es plana (bidimensional)                                        es tridimensional
Tiene un encuadre                                                  es central y periférica a la vez
Varía mucho según la calidad material                básicamente igual para todos
Puede mostrar diferentes aspectos (rayos x)      sólo vemos con la luz visible
Tiene diferentes grados de iconicidad*               percibimos la realidad

En las imágenes podemos diferenciar:
·        La denotación*: la simple descripción de lo que vemos en la imagen. Es objetiva, informativa, explícita, visible…. Es igual para todos los espectadores.
·        Las connotaciones* o sugerencias que despiertan en el receptor, son subjetivas, interpretativas, implícitas, no son visibles. Pueden variar de un espectador a otro

Pero las connotaciones también se pueden crear para transmitir mensajes más o menos evidentes al receptor. Las podemos observar de manera evidente en la publicidad, pero también existen en los productos de ficción, los informativos, e incluso los documentales (que aparentemente sólo reflejan la realidad). En definitiva ninguna imagen es “inocente”, todas las imágenes conllevan un mensaje normalmente a través de las connotaciones.

Las connotaciones se pueden crear por medio de varios  procedimientos, los más habituales son:

·        La pose*, es decir la colocación de  los personajes, que nosotros solemos interpretar de forma intuitiva a través del conocimiento del lenguaje no-verbal.

·        El atrezzo*, es decir el conjunto de objetos que rodean al personaje, los objetos pierden su identidad y adquieren un nuevo significado.

·        La fotogenia*, es decir el proceso de embellecimiento que puede ser por medio del maquillaje, la iluminación,  el retoque fotográfico etc.

·        El trucaje*, es decir la aparición o desaparición de elementos de la imagen que no existía en la realidad.

·        La asociación de imágenes. El cineasta  ruso Kulechov ya descubrió que  las imágenes cambian de significado cuando las vemos una tras otra, varían su significado individual adquiriendo uno nuevo.


Al ver una imagen siempre deberíamos preguntarnos qué connotaciones  lleva y cual es el mensaje que el autor nos quiere transmitir.


Cuando "leemos una imagen" primero debemos observar:





  • La denotación, es decir que es lo que nos muestra, de una manera totalmente objetiva y luego las connotaciones que tiene.
  • Las connotaciones son subjetivas, dependen de nuestra cultura, de nuestra educación, de nuestra sensibilidad etc.

  • Sin embargo las connotaciones también se pueden crear de forma que sean apreciadas por muchas personas. Esto se utiliza mucho en publicidad. Las connotaciones se pueden crear por medio de la pose, el trucaje,  la asociación de objetos, la  fotogenia, la asociación de imágenes, etc



    Podemos llegar a hablar de PUBLICIDAD SUBLIMINAL cuando el espectador no es capaz de darse cuenta de las connotaciones que tienen las imágenes y que despiertan interés por una determinada marca.